Pela energia explosiva e pelo poder de sua música, e pela exploração de mundos sonoros inéditos, Igor Stravinsky foi a figura principal da música do século XX. Muitos de nós somos afetados pelo ethos de sua música, estejamos cientes disso ou não. Sua confiança, nitidez, clareza, precisão e falta de sentimentalismo são distintamente modernos e refletem o clima e o ritmo do século.
Por Michael De Sapio
“Já que eu mesmo fui criado, não posso deixar de ter o desejo de criar.” —Igor Stravinsky
O mundo da música clássica parece valorizar os aniversários como uma chance de fazer uma pausa e chegar a um acordo com o trabalho de determinados compositores. Nos últimos anos, assistimos ao aniversário de nascimento ou morte de algumas figuras importantes: Claude Debussy, Hector Berlioz e Ludwig van Beethoven. Este ano, marcamos mais um aniversário importante, mais próximo de nós: cinquenta anos da morte de Igor Stravinsky (1882-1971).
Stravinsky foi, por qualquer conta, um dos mais importantes e influentes compositores do século XX; muitos o considerariam o maior. Mas situar ele e suas conquistas em contexto, especialmente para leitores que não são adeptos da história da música, não é fácil. Acho que muita escrita acerca da música do século XX é falta de clareza e ordem (duas qualidades de Stravinsky valorizadas). Freqüentemente, encontramos um emaranhado de informações, dando a falsa impressão de que a música na era moderna era um caos confuso. Além disso, embora os musicólogos façam um bom trabalho explicando por que a música desse compositor era nova e diferente, eles nem sempre transmitem o prazer real que pode proporcionar. Além disso, os clichês superficiais sobre o modernismo tendem a obscurecer quem era Stravinsky e o que ele representava.
Tentemos, então, lançar alguma luz sobre a história musical. Na verdade, existem várias linhas coerentes de desenvolvimento na música do século XX, todos os que estavam no local com o advento da Primeira Guerra Mundial, e se estenderam depois. Debussy pode ser chamado de padrinho da música moderna, com sua nova concepção de harmonias e sons existindo para seu próprio bem, a ideia básica por trás do impressionismo. Seus experimentos em harmonia e tonalidade influenciaram virtualmente todos os compositores que trabalharam na virada do século e ajudaram a efetuar a transição do Romantismo tardio para o início do modernismo na música.
Por gerações, os compositores trabalharam criativamente dentro do sistema de tonalidade funcional, ou prática comum. Nesse sistema, notas da escala e acordes de harmonia possuem uma certa hierarquia, e os compositores desenvolveram formas de ordenar sua música de forma que cada “evento” musical conduzisse logicamente a outro. O que historiadores da música, muitas vezes chamar a crise ou colapso, ou dissolução da tonalidade é uma forma melodramática de dizer que muitos compositores na virada do século XX sentiram que o sistema havia seguido seu curso; progressões de acordes comuns e gestos musicais tornaram-se banais, previsíveis; não havia mais nada de novo a dizer com eles. Os compositores, portanto, buscaram renovação em várias direções. Eles olharam tanto para o passado pré-tonal da música ocidental - para os antigos modos da igreja, por exemplo - quanto para a música exótica, folclórica e não ocidental (especialmente do Extremo Oriente). Quando Stravinsky nasceu em 1882, o musical “nacionalismo” era uma tendência estabelecida, uma espécie de paralelo com os movimentos de independência nacionais do século XIX. No reino musical, muitos compositores buscavam a emancipação do domínio do Romantismo austro-alemão, mais recentemente a figura gigante de Richard Wagner.
Wagner havia ampliado a orquestra, levado a harmonia tonal a extremos de instabilidade e criado um som mais puro do que nunca. A pergunta sentida por muitos na virada do século XX foi "Para onde vamos a partir daqui?" e diferentes compositores tiveram diferentes respostas. Muitos escritores de música do século XX concentram-se nos experimentos radicais do compositor vienense Arnold Schoenberg em atonalidade, que levaram à formulação do sistema de composição de 12 tons, também conhecido como dodecafonia ou serialismo - um sistema baseado na “emancipação da dissonância ”E equalizando todas as notas da escala cromática.
No entanto, acredito que o tempo mostrou que Stravinsky, e não Schoenberg, foi a figura principal da música do século XX. Este ponto de vista é afirmado por Robert Reilly em uma entrevista com o amigo e associado de Stravinsky, Robert Craft, publicada no livro de Reilly Surprised by Beauty: A Listener's Guide to the Recovery of Modern Music. Embora as ideias de Schoenberg sobre atonalidade fossem estimulantes para muitos compositores, a ênfase do compositor russo no ritmo e seu próprio sentimento distinto de harmonia (que pode ser chamado de pós-tonal em vez de atonal) e instrumentação provou ser um fundo inesgotável para os compositores modernos trabalharem. Em particular, seu acento irregular da batida, com o objetivo de superar a “tirania da linha do compasso” que tantas vezes fez com que a música caísse em unidades e frases previsíveis, era algo verdadeiramente novo e fresco que entusiasmava compositores e ouvintes.
Stravinsky começou como um compositor romântico/impressionista tardio, herdando a tradição nacionalista russa (como sustentada por seu professor Nikolai Rimsky Korsakov) combinada com inclinações impressionistas francesas de Debussy. Essas eram tradições “pictóricas” - música que tentava traduzir imagens e sensações em som. As obras marcantes do “período russo” de Stravinsky foram os três balés famosos que escreveu para o Ballet Russo de Sergei Diaghilev em Paris: O Pássaro de Fogo (1910), Petrushka (1911) e A Sagração da Primavera (1913). O primeiro tem um estilo bastante tradicional. Os dois últimos, embora também baseados no folclore e melodias russas, foram progressivamente mais novos em seus ritmos, harmonias e padrões de som. Com o Rito(com o subtítulo “Scenes from Pagan Russia”), Stravinsky criou uma música bárbara e convulsiva de uma violência e intensidade inéditas. A barbárie, no entanto, tinha um propósito. O Rito não é de forma alguma uma peça de música absoluta; é uma peça de palco que descreve um ritual pagão de fertilidade sacrificial. É música de história e imagem do tipo mais vívido e de arrepiar os cabelos.
Embora Rite of Spring tenha sido chocante no início, tanto musical quanto visualmente - é amplamente relatado que incitou um "motim" em sua estréia - no longo prazo tornou-se um favorito popular, mesmo sendo usado como trilha sonora para o drama de dinossauro Fantasia do filme de animação da Disney. E, em retrospectiva, poderíamos até considerar O Rito como um exemplo tardio de pictorialismo romântico tardio, levado a um nível febril. É uma relíquia de um fascínio do fin de siècle pelo atávico e primitivo.
Após a Primeira Guerra Mundial e trabalhos de transição como The Soldier's Tale e Mavra, Stravinsky mudou seu estilo drasticamente. Ele se tornou um neoclássico, seguindo a tendência de desnudar os excessos do Romantismo e substituí-los (nas palavras do crítico Steven Kruger) "vinho espumante, humor seco e modelos racionais nítidos".
A mudança estilística refletiu os sentimentos de muitos no mundo ocidental após a devastação da Grande Guerra. Em retrospecto, pode-se imaginar O Rito como de alguma forma preditivo dessa brutalidade. Depois que a fumaça se dissipou, houve uma necessidade de novas prioridades estéticas - escorar ou construir em vez de destruir em um espírito de choque. Rejeitar o nacionalismo musical fazia sentido, já que o nacionalismo excessivo fora uma das causas da guerra. Em vez disso, Stravinsky voltou suas atenções para a renovação - às vezes comentando divertidamente - as tradições universais da cultura ocidental. Aparentemente da noite para o dia, Stravinsky passou de um primitivismo selvagem para uma urbanidade civilizada e moderação. Ele começou a trabalhar traduzindo a forma e a elegância do século XVIII para os termos do século XX, muitas vezes com um toque de humor e ironia.
Embora raramente seja notado, a virada de Stravinsky para o neoclassicismo foi, em certo sentido, prefigurada em sua cidade natal, São Petersburgo, uma cidade construída em grande parte por artesãos barrocos e neoclássicos franceses e italianos. Qualquer pessoa que crescesse naquela cidade estaria cercada por uma arquitetura que combinava a influência russa e clássica ocidental - assim como a música de Stravinsky.
O musicólogo Donald J. Grout chama um dos produtos desse período, a Sinfonia dos Salmos (1930), "uma das grandes obras do século XX, uma obra-prima de invenção, arquitetura musical e devoção religiosa". Stravinsky escreveu várias composições chamadas “sinfonia”, mas nem todas são sinfonias no sentido convencional. Esta pode ser descrita como uma “sinfonia coral” para textos litúrgicos. Stravinsky estabeleceu textos de salmos da Vulgata latina, novamente mostrando a universalidade que estava entre os objetivos do neoclassicismo. É um candidato plausível para a maior obra de Stravinsky.
O neoclassicismo de Stravinsky continuou por meio de uma longa série de obras-primas, de Pulcinella a sua maravilhosa ópera moralista The Rake's Progress. Essas obras não foram um retrocesso, como afirmam seus detratores, mas, ao contrário, foram notavelmente inovadoras na atualização da linguagem da tonalidade.
A música neoclássica era “música por si mesma” - separando-se do pictórico, do expressionista e do hiperemocional. A música anterior de Stravinsky freqüentemente tinha uma qualidade expressionista pronunciada. Uma peça como Ragtime (1918) é uma desconstrução engraçada e ligeiramente apavorante do gênero popular do “rag”. Este foi um compositor com um gênio para absorver e transfigurar muitas influências - do folclore, da tradição clássica, da cultura popular (além da peça ragtime, ele escreveu mais tarde o Concerto de Ébano para banda de jazz) - e colocar sua marca pessoal em todos eles.
Em certo sentido, também foi Stravinsky, mais do que Schoenberg, quem deu o passo verdadeiramente decisivo para fora do Romantismo. Todo o trabalho de Schoenberg foi baseado em levar as tradições do cromatismo romântico tardio alemão ao seu ponto de ruptura. Stravinsky, embora pudesse usar a dissonância cromática para obter um efeito penetrante, também mostrou que frescor ainda poderia ser extraído da escala de dó maior. Grande parte de sua música é baseada na justaposição de materiais familiares de novas maneiras; soar dois acordes comuns simultaneamente, por exemplo, ou sobrepor diferentes padrões rítmicos um em cima do outro. Muitos ouvintes se perguntam, compreensivelmente, eu acho, se a música atonal é capaz de expressar quaisquer emoções além da angústia e da veemência. Porque Stravinsky tinha acesso aos dois mundos, o diatônico e o cromático,
Em relação à música e à expressão, há uma observação de Stravinsky que se tornou bastante notória: “Considero que a música é, por sua própria natureza, essencialmente impotente para expressar qualquer coisa... a expressão nunca foi uma propriedade inerente da música. Esse não é, de forma alguma, o propósito de sua existência.” Esses comentários, no entanto, devem ser vistos no contexto: o compositor estava lutando contra uma estética pós-romântica que aplicava um emocionalismo pegajoso e auto-indulgente a todas as músicas. O que ele queria dizer é muito simples e básico: a música, em sua essência pura, é simplesmente música. Não é descrição, ideologia, análise, filosofia ou qualquer coisa além da música. Stravinsky tornou-se um dos principais defensores da ideia da música como uma arte “pura” e da necessidade de fronteiras e limites na criação artística. Uma declaração sua posterior talvez mostre melhor suas intenções: “Meu objetivo artístico é fazer um objeto, de forma clara e com uma distribuição natural de mim mesmo. Eu crio o objeto porque Deus me faz criá-lo, assim como ele me criou ”.
Uma obra que desmente a ideia de que a música do próprio Stravinsky é inexpressiva é a Sinfonia em três movimentos, escrita em 1945 e inspirada, por conta própria, em cinejornais de guerra sobre a derrota dos nazistas e a vitória dos Aliados. A peça certamente evoca imagens, sentimentos e gestos físicos e contém um arco expressivo tão convincente quanto qualquer sinfonia de Beethoven.
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No final de sua carreira, tendo se estabelecido definitivamente nos Estados Unidos, Stravinsky mais uma vez surpreendeu o mundo da música: Ele havia chegado a um impasse em sua vida criativa e precisava de uma mudança; ele adotou a técnica serial de Schoenberg, que antes havia desdenhado. Temos, portanto, os três períodos de estilo de Stravinsky: o russo/primitivista, o neoclássico e o serial. A “conversão” do compositor foi bem recebida pela vanguarda e vista por outros como algo semelhante a uma deserção para o inimigo.
Embora o fizesse por um sentimento de necessidade artística, a adoção do serialismo por Stravinsky produziu resultados que, a meu ver, eram muito mistos. Embora mais humanos do que muito serialismo, esses trabalhos ainda às vezes chegam perto de áridos exercícios técnicos; o compositor parece estar nos dando trechos musicais em vez de uma refeição nutritiva. A natureza mesquinha da construção serial - baseada na manipulação do compositor da “linha de tons” - parece destruir o arco que tornava a música anterior de Stravinsky tão atraente.
Acima de tudo, o serialismo tendia a negar o que havia de distinto neste compositor: sua idiossincrasia e a falta de qualquer "sistema". É verdade que Stravinsky serial ainda se parece muito com Stravinsky, não como os compositores do Segundo vienense Schoenberg ou Anton Webern. Mesmo assim, não posso deixar de sentir que parte de sua essência foi apagada. As obras seriais nunca pegaram e são as menos executadas. (Curiosamente, Stravinsky concentrou-se na música religiosa em seu período serial, um casamento incomum do sagrado e do ultramoderno: Canticum sacrum, Threni, Abraão e Isaac, O Dilúvio, Cânticos de Réquiem, etc.)
No entanto, ainda há muito mais em sua produção. Apesar de todo o rebuliço que sempre cercou A Sagração da Primavera, eu diria que, quando toda a análise séria é feita, a anterior Petrushka - a história de uma marionete em uma feira de São Petersburgo que ganha vida e é oprimida por seres humanos problemas - serão vistos como uma pontuação tão influente, se não mais. Ecos de seu exuberante e colorido mundo sonoro podem ser ouvidos em inúmeros lugares. É uma música mais amigável do que The Rite, sem dúvida.
Stravinsky e Schoenberg são frequentemente vistos como os pólos opostos da música do século XX. Ambos os compositores acreditavam estar dando continuidade à tradição musical ocidental; nenhum se via como um destruidor. Ambos acreditavam na busca de ordem e método na criação musical. No entanto, a música de Stravinsky sobreviveu a um grau que a de Schoenberg e de seus seguidores não sobreviveu. Eu diria que foi como um neoclássico que ele fez seu trabalho mais substantivo e duradouro - tendo em mente que sua alma russa nunca o deixou e está presente em todas as suas músicas.
É muito errado sugerir que a reputação de Stravinsky repousa exclusivamente nos três balés famosos (e especialmente em The Rite ), como se ele nunca tivesse escrito mais nada. Na verdade, sua obra como um todo - cerca de 127 composições - é um glorioso corpo musical, muito pouco conhecido e apreciado. Stravinsky fala da boca para fora como o gigante da música moderna, mas muitos ouvintes pouco sabem além das três primeiras obras-primas. Felizmente, a música de Stravinsky não é proibitiva e há muitos caminhos para isso. Depois de conhecer os clássicos da Renascença ao Romantismo, está pronto para experimentar Stravinsky. Com esse espírito, meu top ten:
- O pássaro de fogo
- Petrushka
- A Sagração da Primavera
- The Soldier's Tale (peça de teatro “para ser lida, tocada e dançada”)
- Apollo (pontuação do balé)
- Sinfonia dos Salmos
- Sinfonia em dó
- Sinfonia em três movimentos
- O progresso do ancinho (ópera)
- Agon (pontuação de balé; combina elementos tonais e seriais)
Lista de reprodução (assinatura do Spotify necessária; o ensaio continua abaixo):
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Para mim, a morte de Stravinsky em 1971 é um símbolo do fim da tradição de composição de música clássica ocidental. Com isso, não quero dizer que não tenha havido nenhuma boa música escrita desde então, mas houve muito pouco nela que fosse realmente novo, e isso é simplesmente porque a tradição seguiu seu curso e explorou todas as possibilidades. . A década de 1970 marcou a chegada da sensibilidade pós-moderna, com suas misturas estilísticas e referências autoconscientes. Na ausência de um estilo musical comum comum - fornecido por exemplos vivos como Stravinsky - a repetição, a imitação e a decadência tomaram conta.
Gosto de dizer que meus favoritos entre os principais compositores são Bach, Mozart, Beethoven e Stravinsky. Incluo Stravinsky porque nele encontro todas as épocas anteriores da tradição musical resumidas com humor e gosto. Um número de suas obras maduras eram ou religioso-refletindo sua re-abraço da fé ortodoxa russa na meia-idade, ou com base no mito clássico, como os títulos deixar claro: Apollo, Oedipus Rex, PersePhone, Orpheus, Agon. Longe de demolir tudo o que veio antes - como muitas pessoas temiam que tivesse acontecido em The Rite - Stravinsky abriu um novo caminho de criatividade e renovação, baseado na continuidade com o passado. Even The Rite pode ser visto como tendo uma base antropológica, uma espécie de instantâneo do homem primitivo.
Para a energia explosiva e poder de sua música, e sua exploração de inédito mundos de som, Stravinsky foi para o século XX o que Beethoven foi para o XIX. Acredito que muitos de nós somos afetados pelo ethos da música de Stravinsky, quer estejamos cientes disso ou não. Sua confiança, nitidez, clareza, precisão e falta de sentimentalismo eram distintamente modernas e refletiam o clima e o ritmo do século.
Mas o que mais valorizo na obra de Stravinsky é seu conteúdo humano. Nunca satisfeito em fazer malabarismos com padrões musicais abstratos, ele infundiu sua produção com um propósito moral e espiritual. Do fantoche ressuscitado de Petrushka à barganha faustiana em The Soldier's Tale e ao amor sacrificial de Pers éphone, sua música está repleta não apenas de formas sonoras suficientes em si mesmas, mas também de personagens, ideias, imagens, temas e arquétipos que se conectam com a alma humana. Há em sua obra uma união de intelecto, espírito, emoção e fisicalidade - sua música sempre dança, mesmo em um ritmo lento - que é única. Stravinsky disse certa vez que queria “unir os elementos mais característicos da Rússia com as riquezas espirituais do Ocidente”, e não há dúvida de que ele conseguiu isso durante sua longa vida na Rússia, França e América. Qualquer que seja a sua opinião sobre os desvios que deu no seu caminho estilístico, não há dúvida de que se manteve sempre ele mesmo: uma das personalidades indeléveis da história da música e figura indispensável no século XX.cultura do século. Se Igor Stravinsky é o grand finale da música ocidental, certamente nenhum grand finale poderia ser imaginado.
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