A música de Albéric Magnard é uma amálgama feliz de tudo que foi melhor em Wagner, Franck e Debussy. A reminiscência gentil, nostálgica e um tanto melancólica do passado é uma parte essencial de sua estética e um claro legado de seu treinamento em Schola Cantorum. No entanto, sua música também é progressiva, ansiosa inconfundivelmente pelo século XX.
Por Michael De Sapio
Acredito que a vitória de certas idéias vale a pena suprimir nossa tranquilidade e até nossas vidas . - Albéric Magnard
Algumas pessoas consideram a música uma forma de prazer, um desvio das coisas práticas da vida. Outros a veem em um plano mais elevado, como um reflexo da beleza eterna e da harmonia da criação. Mas e se a música, além de ser “arte pela arte”, é um reflexo das correntes filosóficas, religiosas e políticas de seu tempo e do caráter das pessoas que a criaram? A apreciação da música pode ser um complemento ao estudo da história?
Acredito que sim, e que esse aspecto da música é muitas vezes esquecido. A polifonia de Palestrina ilumina as aspirações da Contra-Reforma. As sinfonias de Beethoven refletem a era revolucionária e o nascimento do sentimento romântico. Há vários exemplos. Mas o que eu gostaria de destacar aqui é de um compositor que até mesmo muitos fãs sérios de música clássica nunca ouviram falar: Albéric Magnard (1865-1914).
Nosso repertório padrão de música clássica é fortemente influenciado pela tradição austro-alemã do século XIX: Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms, e por Mahler e Strauss. A França tem uma tradição comparável que raramente recebe nada além de uma apreciação simbólica. Alguns nomes famosos são ouvidos, especialmente Debussy e Ravel. Para os ouvintes que tendem a igualar a música clássica à música alemã, seria uma surpresa descobrir a riqueza do repertório francês durante o que ficou conhecido como belle époque.
A derrota da França no campo de batalha na Guerra Franco-Prussiana (1870-1871) ecoou na sala de concertos, enquanto os compositores franceses tentavam afirmar sua identidade nacional diante do domínio musical alemão. A música francesa passou por uma era de ouro, paralelamente à renovação de Paris, que deu à cidade sua aparência agora familiar. A tensão política entre a França e a Alemanha após a guerra (e continuando até o início da Primeira Guerra Mundial) se refletiu na música da época. "Alemão" e "francês" eram vistos como opostos estéticos. A música alemã era pesada, nobre e idealista, moralmente edificante e profunda conscientemente. A música francesa era mais leve, mais preocupada com o artesanato formal e com qualidades como charme e elegância. Riqueza e densidade eram qualidades alemãs; clareza e transparência os franceses.
No entanto, os compositores franceses tiveram que aceitar uma influência alemã esmagadora: Richard Wagner. As idéias de Wagner sobre a união das artes, sobre o poder dos mitos nacionais primordiais e seus próprios "dramas musicais", com sua imensa orquestra e "melodia contínua", mantiveram o público francês fascinado a partir da década de 1870 em diante. Para alguns, Wagner e suas teorias eram uma ameaça. Para outros, elas eram o próprio futuro da arte e uma cura para a frivolidade da música francesa contemporânea, dominada por compositores populares de balé e ópera como Charles Gounod.
O compositor e organista da igreja Cesar Franck (1822-1890) já havia iniciado a reforma escrevendo músicas de uma piedade sincera e idealismo religioso. Franck foi pioneiro na técnica da forma cíclica, na qual os temas musicais se repetem e são transformados em toda a composição, uma técnica comparável ao sistema de leitmotivs de Wagner . Ao ensinar e executar, Franck exalava serenidade e fé, qualidades que ele inspirou em seus alunos no Conservatório de Paris, que o apelidaram de Pater Seraphicus.
O principal aluno de Franck, Vincent d'Indy, continuou os ideais de seu professor no Schola Cantorum, um conservatório de música que ele fundou em 1896 em um antigo convento beneditino. O local era auspicioso, pois d'Indy tinha um zelo religioso por continuar a tradição musical e desenterrar o passado musical, incluindo canto gregoriano e polifonia renascentista, e aplicar suas lições à composição moderna. D'Indy se tornou uma poderosa força e influência sobre a próxima geração de compositores franceses. Curiosamente, d'Indy viu a Wager não como uma queima revolucionária, mas como um continuador da grande tradição clássica que remonta a Bach.
Enquanto isso, as óperas de Wagner continuaram fascinando e dividindo o público francês, sua crescente complexidade harmônica e o enorme volume de decibéis, resumindo o que as pessoas da época pensavam como "música moderna".
Como pioneiro do impressionismo musical - um termo que ele não gostava - Claude Debussy liderou a principal reação a Wagner. Onde a música de Wagner era grande em todos os sentidos da palavra, repleta de extravagância emocional, a de Debussy tornou-se pequena e sutilmente sutil.
O trabalho emblemático de Debussy foi seu poema orquestral de tom de 1893, Prelúdio para a tarde de um fauno , uma espécie de devaneio eroticamente tingido no som. O musicólogo Martin Cooper diz que Faun sinalizou "a revolta contra o intelecto discursivo, o afastamento da razão". A estrutura melódica e harmônica, a proporção da composição musical, dá lugar à impressão pura dos sentidos, uma “sucessão de decorações pelas quais os desejos e sonhos do Fauno se movem no calor da tarde” (Debussy).
As linhas estéticas estavam agora desenhadas. D'Indy e seus discípulos combateram o que viam como o hedonismo e panteísmo decadentes da escola Debussy, com ênfase na estrutura, contraponto e continuidade da grande tradição - que eles consideravam ter culminado com Wagner. Havia um sério propósito moral no método de d'Indy, bem como um sério catolicismo; ele até falou das virtudes teológicas como pré-requisitos necessários para compor:
Antes de tudo, o artista deve ter fé - fé em Deus, fé em sua arte: porque é a fé que o estimula ao conhecimento e é por meio desse conhecimento que ele pode subir cada vez mais na escala do ser, para o mundo. termo de toda a sua natureza, Deus. [1]
Para d'Indy, a estética da escola Debussy era amoral, baseada apenas no prazer e levando à falta de forma. Ao mesmo tempo, muitos compositores achavam que os meios técnicos de Debussy - o vocabulário impressionista da harmonia sutil e da tonalidade - tinham valor e podiam ser utilizados com frutificação.
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Um dos discípulos mais talentosos da estética Schola foi Albéric Magnard, cuja música é um amálgama feliz de tudo o que havia de melhor em Wagner, Franck e Debussy. A música de Magnard teve que esperar até o final do século XX para ser amplamente apreciada, e seu nome ainda é bastante obscuro. Em parte, isso se deve à sua vida tragicamente encurtada (mais sobre isso mais tarde) e ao fato de sua produção ser pequena, totalizando apenas 22 obras publicadas. No entanto, o que ele escreveu brilha com um brilho interior único.
Homem de cultura ampla e humanística, Magnard adorava pintura e livros. Martin Cooper fala da "paixão pela luz" de Magnard, informando sua música. Costumamos falar de luz e espaço na arte visual, mas na música também uma sensação de luz e espaço pode ser transmitida através da textura, através da densidade das notas e do brilho dos timbres instrumentais empregados pelo compositor. Dessa forma, as sinfonias de Magnard geralmente se abrem para vistas de tirar o fôlego. Ele consegue uma síntese perfeita de claritas e gravitas - de qualidades debussianas francesas e wagnerianas germânicas.
A vida de Magnard também foi caracterizada por uma notável clareza moral. Seu pai era o editor do principal jornal francês Le Figaro , mas Magnard estava determinado a fazer isso sozinho, sem a ajuda da riqueza e influência da família. Embora ele tenha vivido brevemente uma vida monástica na Abadia de Ramsgate, na Inglaterra, Magnard parece ter rejeitado o catolicismo em favor de uma espécie de estoicismo moderno. Ele manteve um código moral austero enfatizando a integridade e a auto-abnegação. Ele nunca buscou fama ou autopromoção e, como resultado, sua música nunca alcançou grande sucesso, embora fosse admirada por conhecedores. Um perfeccionista severamente autocrítico, ele publicou apenas o que sentia estar em conformidade com seus padrões exigentes. Afastando os holofotes, retirou-se para uma casa de campo chamada Manoir des Fontaines nos arredores de Paris.
Quando a Primeira Guerra Mundial estourou, Magnard enviou sua esposa e filha para um local seguro enquanto ele vigiava a casa. Em 3 de setembro de 1914, um grupo de soldados alemães da cavalaria invadiu a propriedade. Magnard atirou neles de uma janela aberta, matando uma; os soldados responderam ateando fogo na casa. O compositor de 49 anos morreu no incêndio e vários de seus manuscritos também morreram.
Uma das peças que desapareceu foi a Guercoeur, uma ópera alegórica que expressava as crenças profundamente arraigadas do compositor sobre a natureza humana. Um estadista medieval caído que levou seu país à paz entra no céu e recebe permissão para retornar à Terra. Lá, ele descobre que sua esposa se casou com seu melhor amigo, que por sua vez se declarou um ditador do povo, que achou a liberdade muito onerosa. O herói morre uma segunda vez e entra no Céu para sempre, onde é recebido pelas deusas platônicas da Verdade, Bondade, Beleza e Sofrimento.
Uma mistura de sentimentos cristãos e pagãos esclarecidos, a ópera equilibra a corrupção da natureza humana contra valores eternos. Há uma grande ironia no fato de que tal trabalho foi destruído sem querer pelos soldados alemães saqueadores. Felizmente, o suficiente da ópera existia em esboços que o amigo de Magnard, Guy Ropartz, foi capaz de reconstruí-la com amor e conduzir a estréia em 1931. (A primeira performance encenada desde então ocorreu em junho de 2019).
Os sentimentos republicanos de Magnard ficaram indignados com o tratamento de Alfred Dreyfuss, o soldado judeu francês falsamente acusado de traição. Seu poema em tom Hymne a la justice (1902) surgiu a partir disso, uma expressão musical do triunfo ardente da justiça sobre a brutalidade. A peça companheira Hymne a Venus (1904) expressa outro lado do compositor, um terno respeito pelas mulheres e amor conjugal.
O núcleo da obra de Magnard são as quatro sinfonias que ele compôs entre 1889 (ainda estudante) e 1913, um ano antes de sua morte. Todos eles foram gravados de maneira impressionante no selo Naxos pela Filarmônica de Freiburg sob o maestro Fabrice Bollon.
Magnard foi apelidado de "French Bruckner" e, embora um tanto enganador, o apelido fornece uma entrada útil para seu trabalho. Há uma nobreza e espaço nessa música, um brilho luminoso e força espiritual, especialmente nas melodias de coral que frequentemente coroam seus movimentos. Magnard não nos dá óbvias "grandes músicas"; sua música é gratificante em um nível mais intelectual e espiritual. A escrita é de extrema sutileza e habilidade. Seus scherzos são danças rústicas que sugerem o interior da França e as alegrias da vida rural. Na moda wagneriana, a música geralmente cria uma impressão de "melodia sem fim" e usa harmonias cromáticas para sugerir emoções flutuantes; no entanto, há uma restrição e um agudo senso de proporção que são bastante diferentes de Wagner. O gentil, nostálgico, e uma reminiscência melancólica do passado é uma parte essencial de sua estética e um claro legado de seu treinamento em Schola Cantorum. No entanto, sua música também é progressiva, ansiosa inconfundivelmente pelo século XX.
Por defender sua propriedade contra os alemães à custa de sua vida, o magnânimo Magnard tornou-se um herói nacional francês. Sua música sofreu um destino bem diferente. As salas de concerto e as principais histórias da música ignoraram principalmente a Escola Franck em favor de um romantismo tardio alemão cuja auto-importância inflada teria conseqüências de longo alcance e imprevisíveis, e não apenas para a música. Na década de 1930, os ideólogos nazistas usariam Wagner e Bruckner para legitimar o Terceiro Reich como uma conseqüência orgânica da cultura e história alemãs. [2] A própria música austro-alemã, como nas obras de Mahler e Strauss, alcançaria alturas de exagero e decadência luxuosa, terminando na atonalidade de Schoenberg - em última análise, um beco sem saída para a música ocidental.
A música de Albéric Magnard e seus colegas (como Albert Roussel e o compositor aprendiz de feiticeiro Paul Dukas) nos mostra uma síntese mais construtiva - um tônico contra a megalomania, a autoindulgência e a sensualidade sibarítica. Um verdadeiro mestre, as obras de Magnard transmitem convicção moral enraizada nas virtudes da humildade, disciplina e, sim, charme.
Notas:
[1] Martin Cooper, Música Francesa (Londres: Oxford University Press, 1951), 74.
[2] Joseph Horowitz, "O Espectro de Hitler na Música de Wagner", New York Times , 1998.
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